lunes, 31 de mayo de 2010

King Lavra -Karel Zeman


The Cybernetic Grandma -Jiri Trnka

Corto siniestro de stop-motion, hecho por el genial Jiri Trnka:


Trailer de la serie animada de Terminator

No tenía idea de que hubiera una serie animada de Terminator, pero parece que esta mini-serie de 6 episodios apareció en el 2009, para promocionar la cuarta parte de Terminator:








La mayoría de críticas que he leído son bastante negativas, aunque tal vez termine dándole una oportunidad.

Inspirance-Karel Zeman

Un bello corto realizado por el infravalorado director Karel Zeman:

martes, 25 de mayo de 2010

“Wolf´s Rain”



Luego de ver el tráiler de “Alpha y Omega”, valdría la pena recordar otra animación sobre lobos, la cual tenía un tratamiento completamente distinto de estos adorables animales: Wolf´s Rain.


Este anime, creado por Keiko Nobumoto (Guionista de Cowboy Bebop, Tokyo Godfathers y…Kingdom Hearts) es (era) una de las pocas series transmitidas por Animax que me llegó a gustar, y, como era de esperarse, fue una de las primeras en quitar para dar más espacio a un montón de adefesios que prefiero no mencionar (Ya los han quitado y reemplazado por otras series, por lo que he oído) Como iba diciendo, “Wolf´s Rain” era un anime en la misma línea de “Cowboy Bebop” y “Paranoia Agent”, pero con ciertos elementos místico- espirituales, lo que la acercaban, en ocasiones a series como “Evangelion” y “Lain”.
La trama se ubicaba en el futuro, como muchísiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiimos animes realizados antes, pero este futuro era tratado desde una óptica distinta, en donde los elementos de ciencia ficción se mezclaban con elementos de fantasía y leyenda, haciendo referencia a muchos mitos y cuentos de hadas japoneses (En donde, por lo que parece, la figura de los lobos no es una figura malévola como en los cuentos de hadas Occidentales) a lo que se añadía el componente ecológico/espiritual que suele dividir a los espectadores.
Básicamente, la trama seguía la búsqueda de los últimos lobos que quedan en medio de una tierra devastada, por un lugar al que ellos llaman “Rakuen” (“Paraíso”, cuya representación en la serie se diferencia un poco de la descrita por la tradición judeo-cristiana, aunque estas pequeñas diferencias serán cruciales para el desenlace de la serie)
Complementada por la maravillosa música de Yoko Kanno y Steve Comte, esta serie animada posee una gran cantidad de escenas tan bellas como memorables, dotando a lo que podría ser una típica historia futurista-distópica de una poesía y delicadeza muy pocas veces vistas antes en una animación. Los diseños dotan a la historia ya los personajes de magnificencia y grandiosidad.

A pesar de combinar increíblemente bien una trama misteriosa e interesante con una excelente caracterización, así como una animación soberbia y una banda sonora de lujo, las opiniones sobre esta serie son más bien mixtas: A muchos les gustan los primeros 26 episodios, pero encuentran muy insatisfactorias las cuatro Ovas que cierran la historia, y su final suele ser calificado como “Confuso y decepcionante”… Yo, por mi parte, pienso que fue un gran final, muy acorde con el espíritu del resto de la serie.


Una pena que Animax haya “quemado” la serie antes de tiempo, repitiéndola a todas horas, para luego sacarla de un momento a otro. Aún así, sigue siendo uno de mis animes favoritos.






Alpha and Omega- trailer

Este es el trailer de la nueva película animada de Crest Animation, distribuida a través de Lionsgate. "Alpha & Omega"(Sin alusiones Biblícas, supongo yo) es la primera película en animación digital sobre lobos. A mí me parece una versión más ligera de "Balto":



Dirigen Anthony Bell (Director de algunos episodios de "Los Boondocks") y Ben Gluck (Director de la secuela para video de "Hemano Oso" de Disney)
Prestan sus voces Dennis Hopper y Cristina Ricci.

domingo, 23 de mayo de 2010

Azureus Rising-Dave Weinstein

Supuestamente este cortometraje sería el piloto para un trilogía de largometrajes de acción, acerca de un hombre joven que termina convertido en un héroe.

Arte conceptual de "Los Thundercats"

Publicadas originalmente en el blog "El Portal del Celuloide"...
Se ve que desde ya quieren que esta película sea lo más parecida posible a "Avatar" de James Cameron:








viernes, 21 de mayo de 2010

Rio-Trailer

Este es el trailer de la nueva producción de BlueSky Studios. Dirigida por Carlos Saldanha (Director de la trilogía de "La era de Hielo" y "Robots". Con las voces de Rodrigo Santoro y Anne Hathaway.



Esta película llegará a las salas en el 2011.

jueves, 20 de mayo de 2010

Trailer de Megamind

Este es el trailer de la nueva película de Dreamworks, "Megamind" con la actuación de voz del cómico Will Ferrell y Brad Pitt.


Podría quejarme y todo eso, pero ya saben como es: Todos se quejaban luego de ver los trailers de "Cómo entrenar a tu Dragón" (Que todavía no he visto) y cuando por fin se estrenó, a (casi) todos les gustó muchisimo. ¿Ocurrirá lo mismo con esta película?

Nueva serie animada de Los Looney Tunes




Cartoon Network (Oh, perdón, ahora es “CN”) anunció desde hace un tiempo el estreno de una nueva serie animada de Los clásicos Looney Tunes. La serie animada mezclará animación tradicional con animación digital (Los segmentos protagonizados por Bugs y Lucas serán hechos en animación tradicional, mientras que los segmentos del Coyote y el Correcaminos serán animados por computadora)
¿Mi opinión? Yo creo que, si bien la animación moderna ha hecho estragos en los diseños originales (¡Están más cuadrados!) me alegra saber que (Por lo que he oído) los realizadores apelen al humor y los gags clásicos, y no hagan sandeces como “Loonatics” aquel desastroso intento de volver “cool” a los Looney Tunes. Y además, estoy feliz de ver que (por lo que parece) Cartoon network volverá a hacer dibujos animados, y se dejará de tantos intentos patéticos por hacer aburridos live actions (Como el de Ben 10) y espero que, de una vez por todas, dejen de pasar esas películas repetidas hasta el cansancio (Como Harry Potter, La Momia y “Men in Black”)
Habrá que esperar un tiempo para ver que resulta de todo esto.

domingo, 16 de mayo de 2010

El Jorobado de Notre Dame



“El Jorobado de NotreDame” es posiblemente la película animada más ambiciosa de Disney, y también una de las controversiales, dado que en esta ocasión Disney no realizó la adaptación de un cuento de hadas, ni de un libro infantil, sino una novela para público adulto, una muy oscura y dramática por cierto: Nada menos que “Nuestra Señora de París” una de las grandes obras maestras de Victor Hugo, autor de “Los Miserables”.

A mediados de la década de los noventa, Disney había recuperado su posición como la principal compañía realizadora de filmes y series para público familiar. Además, el favor de la crítica y el éxito en la taquilla de películas como “La Bella y la Bestia” y “El Rey León”, entre otras le habían hecho ganarse el aprecio de un público de mayor edad...Por lo que quizá en ese entonces a los realizadores no les haya parecido un proyecto tan descabellado después de todo...



Gracias al renacimiento experimentado por la compañía desde “La Sirenita”, período que culminó con la magnífica “El rey León” que Disney decidió embarcarse en producciones mucho más ambiciosas, empezando por “Pocahontas”; lamentablemente, estos proyectos, sin ser malos en sí, marcaron un declive en la calidad de las producciones animadas de Disney, que culminaron en desastres como “Atlantis: El Imperio Perdido” (Todavía me cuesta creer que en verdad sea de Disney) y “Vacas Vaqueras”.
“El Jorobado de Notre Dame, sin alcanzar el nivel de los “nuevos clásicos” de Disney como “La Bella y la Bestia”, mantiene un muy buen nivel narrativo, y una gran calidad de animación (Cuyos diseños me recuerdan a otras producciones “medievales” de Disney, como “La Bella Durmiente” y “Merlín, el Encantador”) Aún así, su mezcla de elementos violentos, dramáticos u oscuros con los más alegres y festivos, propios de la factoría Disney, resultan un bocado un tanto difícil de asimilar, pues, si bien una gran parte de hechos descritos en la novela son obviados o cambiados a fin de volver la trágica historia de denuncia social en una historia apta para todos los públicos, aún así, hay escenas que resultan demasiado crueles o dramáticas para los espectadores más pequeños (El terrible desenlace de la escena del carnaval, por ejemplo) temas como la humillación, la crueldad, la corrupción y la tortura psicológica aparecen en este filme, mezclándose con el colorido, el humor y la música, propia de las producciones de Disney.
Blanco de mucha controversia y críticas fue el diseño de Quasimodo, el cual se alejó un tanto de las versiones brindadas por las otras adaptaciones fílmicas de la obra, dotándole de una mayor capacidad verbal; además, a pesar del hecho de que era un personaje deforme, se buscó en cierta medida, que al mismo tiempo resultase “bonito”, algo que tal vez para muchos seguidores del libro original resulte intolerable (Incluso Tv tropes puso a Quasimodo como principal representante de su sección Ugly cute /“feos bonitos”)
No voy a unir mi voz a la de los protestones que se quejan de porque esta versión no es exactamente igual al libro: Esta es una adaptación, y como tal, está en su pleno derecho de dar una versión completamente libre del libro que se inspira; pero vayan a decírselo a gente que quiere que las versiones fílmicas de los libros recreen letra por letra sus obras favoritas, como si la experiencia de leer un libro sea igual al de ver una película, considerando que ambos tienen lenguajes muy distintos.
En fin, quizá “El Jorobado de Notre Dame sea una de las películas más difíciles para el espectador casual, aunque no le faltan méritos para tomarla en cuenta: A ratos parece que no se tuvo muy claro a qué público iba dirigido este filme, si a los niños o a los adultos, y en el intento por dejar satisfechos a todos, incluso a los fans del libro (¡Imposible!) El equipo productor de esta película se excedió en algunas escenas, o se cometieron algunos tropiezos en la trama…
Cierto es que el melodrama casi nunca está ausente en las producciones de Disney, pero esta característica es mucho más notoria en esta película (Aunque considerando la obra en la que está inspirada, esto no me extraña mucho)


No queda mucho por decir, excepto que esta es tal vez la película de Disney que más división ha causado entre la crítica y el público, pero que aún así permanece como una de las producciones más recordadas de Disney.
Como nota adicional, cabe decir que existen algunas horrendas versiones animadas que intentaron tener la notoriedad adquirida por esta película, o más bien dicho, copias descaradas (Y las cuales masacran mucho, pero mucho más el texto original que la película de Disney) y fallaron miserablemente.
Por cierto, si crees que sólo Disney hace versiones “ligeras” de obras clásicas, deberían ver el anime de “Los Miserables” el cual es una serie infantil (¡) en donde todos los personajes tienen personalidades más “amigables”, y se intenta vender la serie para un mismo público objetivo que series como “Marco” “Heidi” o “Candy”: Así que ya ven, no sólo es Disney…

jueves, 13 de mayo de 2010

Sita sings the Blues: Colorida revisión a una épica


Con la película “Sita sings the Blues” la directora Nina Paley hace algo más que realizar una sátira en clave feminista al poema épico hindú “Ramayana”, sino que además brinda un hábil (Y acertado) examen de las relaciones humanas, demostrando que, sin importar el contexto o la época, los elementos implicados suelen ser muy similares: Ilusión, desengaño, celos…

La trama combina dos historias que aparentemente no tienen nada en común entre sí: Una es un relato épico, de dimensiones míticas, en donde intervienen dioses, demonios, seres fabulosos y héroes, mientras que en el otro no es más que la historia de dos simples mortales, pero curiosamente, el punto que conecta a estas dos líneas argumentales es el drama (Desde una perspectiva humorística, por supuesto) experimentado por sus dos protagonistas (Uno de los cuales es la propia directora, ni más ni menos) quienes sufren el rechazo de parte de sus respectivas parejas.

Bien sea en Oriente o en Occidente, lo cierto es que un elemento en común en muchas de las diferentes culturas que han aparecido a lo largo de la historia es su carácter predominantemente machista: A la mujer se le culpa de los males del hombre, de incitarlo “al mal”….Una infidelidad no se perdona si la infiel es la mujer, mientras (todavía) se celebra al hombre adultero, mujeriego, que usa a las mujeres como objetos sexuales.

¡Hoy todavía, a través de los diferentes medios (El cine, la televisión, los libros, la tradición oral e incluso los cuentos de hadas) se sigue exaltando el modelo familiar “clásico”, según el cual la mujer no está plenamente realizada sino se casa y tiene hijos!
Y a fuerza de repetición, este concepto queda grabado en la mente de muchas personas, que creen que su vida no tendría ningún sentido si no se casan y tienen hijos…

Bueno, mejor enfoquémonos en la película en sí: En este relato se alternan muchos estilos de animación diferentes, cada uno acorde con el tono que se desea dar a cada una de las escenas: Las secuencias musicales, crean un fuerte contraste entre la ambientación colorida/legendaria, con la música de Annette Hanshaw, la cual le da cierto carácter melancólico a las escenas, mientras que unos títeres de sombras se dedican a hacer ácidos comentarios a los fragmentos más extraños de la historia.

Por otra parte, los segmentos ubicados en el presente usan una animación sencilla, de colores simples: Trazos irregulares y temblorosos nos hablan de la turbulencia e imperfección de la vida actual: El ideal romántico de las dos protagonistas choca con la realidad en las dos líneas argumentales, como para revelar que en todo tiempo y lugar las relaciones de pareja siempre distaron mucho de ser estables.

Esta combinación de estilos, ritmos y colores bien podrían haberse desbordado, pero Nina Paley sabe equilibrar muy bien las diferentes piezas que componen su relato, creando así un lienzo multicolor, satírico y desenfadado, pero no exento de ternura y (porque no) optimismo, el mismo que permite convertir en alegres hechos que en la obra original eran trágicos o terribles.

“Sita sings the Blues” deja bien en claro que los “líos del corazón” son iguales en todo lugar y época, y nos demuestra que el amor es ciertamente una emoción hermosa…Pero que también puede producir mucho, mucho dolor. Y aún así, a pesar del rechazo, el desengaño y las decepciones, la vida puede seguir.


Y yo digo “Amén” a eso.

Sean Connery participará en un horrible filme animado: Sir Billi


…Sé que está mal juzgar una película antes de verla, pero que horrorosa imagen promocional.
Lo curioso es que, si se fijan bien, los fondos son muy bellos y detallistas en comparación de los horribles personajes… ¿?

Este proyecto es dirigido por Sascha Hartmann, alguien de quien jamás he oído hablar antes, y la trama sería acerca de “un patinador de skate retirado que tiene que ayudar a un castor fugitivo" o algo así…





A pesar del entusiasmo de Sean Connery, nadie y digo absolutamente NADIE espera algo bueno de este proyecto (Parece que ocurrirá lo mismo que con “Delgo”)
Y en cuanto a Sean Connery, si bien es cierto que es un buen actor, tiene un extraño criterio para eligir sus papeles…Rechazó participar en “The Matrix” “El Señor de los Anillos” y “La Era de Hielo”, así como en varias películas de Pixar, mientras que acepta salir en cosas como “Zardoz”, “Los Vengadores” y…Esta cosa.

miércoles, 12 de mayo de 2010

Tekkon Kinkreet:La brutalidad y la inocencia


Tekkon Kinkreet, película anime dirigida por Michael Arias, es uno de los más originales y sorprendentes animes que alguna vez se hayan hecho, presentándonos un mundo colorido y vital, pero al mismo tiempo turbulento, en el cual las emociones y los personajes deambulan con pasmosa velocidad, representación inusual e hiperbólica de todo aquello que constituye el mundo de la niñez, con sus maravillas y horrores.

En esta película, los niños son capaces de hacer proezas increíbles, al más puro estilo de un superhéroe, y también se ven envueltos en situaciones terribles y macabras, más en ningún momento dejan de ser niños: Juegan, imaginan, ven el mundo con ojos de asombro, y en ocasiones, con el más absoluto desconcierto.

La maravillosa metáfora del fuego, que atrae e ilumina, pero que también es capaz de quemar y destruir, sirve también para esta película: La ciudad, con sus colores y extraños monumentos, parece un parque de diversiones, una inmensa urbe de juguete. Y es en esta misma ciudad en donde ocurren los asesinatos y las torturas, pero en la que también existe la bondad, la esperanza, la poesía.

Aquí, la luz y la oscuridad no son dos fuerzas opuestas, sino que coexisten en un mismo territorio, a veces dentro de un mismo personaje: Negro y Blanco, como los dos protagonistas; inocencia y brutalidad; paz y violencia que constituyen el diario vivir en esa jungla de concreto, que acoge, pero no perdona: Como buena jungla, es un lugar en donde impera la ley del más fuerte, el sitio en donde los niños deben crecer, volverse adultos para sobrevivir. Sin embargo, la inocencia y la luz se niegan a morir: Incluso después de los eventos más crueles y catastróficos, su fuerza sigue vigente, es más real, más duradera que el de las armas, que el de la violencia.

Negro y Blanco, los dos personajes que se complementan así mismos, encarnan la dualidad de la naturaleza humana: A veces son héroes, a veces son monstruos, llevan monstruos dentro de sí, pero no dejan de ser niños: Este último hecho es aquel que constituye la base de su humanidad y de su alegría: En la capacidad que posee la inocencia de existir aún en medio del peor ambiente, y de triunfar aún cuando existan un millón de fuerzas adversas. Esta cualidad de “creer” es la que permite a los protagonistas dar fe de una redención, de un triunfo del bien frente al mal, de la luz que vence a la oscuridad, del niño que crece y que conserva su inocencia y su bondad.

Negro y Blanco se complementan, y en su unión existe el orden y el equilibrio, el mismo que es frágil y a la vez poderoso. El mismo orden imperante en la naturaleza y en el corazón del hombre, y que implica la necesidad del yo con relación al “otro”: Los opuestos no sólo se complementan, sino también se funden, son uno sólo hayan su plenitud perfecta: Luz y oscuridad, poesía y violencia.


Por fin ví Halo legends



…Es horrible.
Mi primera gran decepción para ese año. Debo confesar que jamás he jugado el videojuego en el que esta película se inspira, pero, esta colección de cortos dista mucho de alcanzar el nivel de “Animatrix” resultando más bien una compilación de cortos con historias simplonas y aburridas, y animación mediocre, siendo en algunos casos incluso peor al de muchas series anime actuales.


Para ser honestos, no todos los cortos son malos: “Origins” a pesar de ser un tanto lenta, nos presenta una crónica interesante y compleja, al estilo de “El Segundo Renacimiento” de Animatrix, una buena introducción que levantó mis expectativas. En cuanto a “Duel”, un corto hecho en animación CGI, puede que se vea un tanto extraño y use un estilo visual que no sea del gusto de todos, pero al menos intenta ser algo diferente, y no algo simplón como los otros cortos.
Por último “The Package” me pareció un segmento entretenido y bien realizado, con un estilo de animación que funciona bastante mejor que los otros mostrados en esta película. Por lo que he leído, este segmento es el más leal al espíritu del juego.
Pero… ¿El resto?: “The Babysitter”, “Prototype” y “Homecoming” no sólo son aburridos, sino que poseen diálogos y situaciones bastante cursis, y los defectos del guión sólo se hacen más notorios al ver los pobres diseños y animaciones.
“Odd one Out” es horrible: Pretende ser una parodia del universo Halo, pero la animación y los guiones son tan malos, que a ratos me recordó a la horrible serie clon de Pokemón, “Dino Rey”. Al menos en “Robot Carnivale” los segmentos más débiles compensaban su flaqueza argumental con buena animación. Aquí no hay ni siquiera eso.

En verdad cuesta creer que Production I.G. y la Toei (Dos de las más importantes compañías productoras de anime) hayan estado envueltas en un producto tan malo como este…Se supone que lo interesante de estas antologías animadas es ofrecer algo completamente nuevo y distinto en relación con lo que comúnmente se asocia con la animación japonesa, no en ofrecer “más de lo mismo”.
Sólo para incondicionales del juego. Y aún así. Aunque pienso que “The Package” es el segmento que sale mejor librado.

martes, 11 de mayo de 2010

Cars "La Oveja Negra" de Pixar



La obra de Pixar es una de las más logradas dentro de la industria animada mundial: Son realmente pocas las compañías que han sabido mantener un estándar de calidad tan alto en todas sus obras, y menos aún las que se han ganado simultáneamente el aprecio de la crítica especializada y el público.
Cierto, también existen los detractores (Como Armond White, pero ya sabemos que Armond White es como Milhouse: No cuenta) pero lo cierto es que Pixar se tiene más que merecida su buena reputación. Ha sido un largo camino desde sus cortos ochenteros, y también sus realizadores han tenido que aprender a través de las críticas y el error. Aún sin Disney, Pixar seguiría siendo exitosa, no por la grandiosidad técnica de sus animaciones (Las cuales por cierto son increíbles) sino por la brillantez de sus tramas. Y, considerando los últimos filmes del estudio Disney (Exceptuando, quizá a “La Princesa y el sapo”), tal parece que es Disney quien necesita más a Pixar.
Sin embargo, el camino del éxito no es precisamente un lecho de rosas: Hay veces en que es más difícil mantenerse a la cabeza, que llegar allí en primer lugar. No sólo se trata de un requisito autoimpuesto por los trabajadores de dicha compañía, sino también el público parece exigir que cada nueva obra de Pixar sea mejor que la anterior.
Pixar no tiene miedo a este desafío: Están los que dicen que sus obras ya no son tan “honestas” como las primeras películas, pero el estudio no duda en experimentar con nuevas tramas y técnicas en cada una de sus nuevos trabajos. Y eso, en un contexto como el actual, es algo que se agradece profundamente.
Y, pensándolo bien, parece haber cierta inevitable malicia en los comentarios que circulan por el Internet, acerca del inminente “fracaso” de la obra futura de Pixar. Es como si algunas personas quisieran que la compañía realizase una mala película, o al menos una que no sea un éxito comercial. Eso, hasta ahora no ha pasado. Pero ya conocen la típica tendencia de “si es popular ahora, ya no me gusta”.
En esta ocasión, valdría la pena repasar la que es considerada como la “peor” película de Pixar, “Cars”… ¿Es de verdad tan mala como la pintan?
En el 2004, Pixar superó sus límites con “Los Increíbles”: Una película intensa, madura, y muy bien realizada, que superaba largamente a muchas películas de superhéroes de acción real. Este éxito atrajo la atención de un público de mayor edad, aunque también implicó un mayor nivel de exigencia de parte de los espectadores. Pixar había demostrado por fin su dominio sobre otras compañías de animación digital, como Dreamworks.

¿Podría, acaso, darse “el lujo” de hacer una obra más ligera, más “infantil” que “Los Increíbles”? Cuando “Cars” fue anunciado en el 2006 (Un año bastante malo para la animación, por cierto) las expectativas no eran muy altas. Para muchos, esta obra representaba un “paso atrás” con respecto a “Los Increíbles”.
¿De verdad es así? ¿Acaso en “Cars” no hubo nada de experimentación, nada de humor adulto? Yo pienso que la producción de esta película implicó tanto (O quizá más) esfuerzo que “Los Increíbles”: Estamos hablando de una película sobre AUTOS. AUTOS VIVIENTES. Máquinas sin vida, humanizadas. ¿Podría funcionar un concepto así? Digo, hay gente a la que los autos le gustan mucho. Pero yo no soy uno de ellos.
Y esta película NO me decepcionó.


Si consideramos que A) No sé casi nada de autos y B) No me interesan las carreras de autos en lo más mínimo, de alguna forma esta película logró capturar mi interés de principio a fin. Y por “alguna forma” me refiero a que usó un humor inteligente, sutil, propio de las otras obras de Pixar.
¡Sí, el humor de “Cars” es inteligente! De alguna forma, un concepto tan difícil de asimilar como el de los autos humanizados resulta muy bien en esta película. Y de hecho, su carácter resulta mucho más disfrutable y sutil que el humor burdo y facilón de su competidora directa “Happy Feet”, una película que parece no saber muy bien a qué público iba dirigida, pero claro, al tener un mensaje “políticamente correcto” (Por no decir manipulador) terminó ganando el premio de la Academia.

Para el 2006, el concepto del héroe incomprendido y tímido que salva al mundo ya se había vuelto terriblemente trillado. Y molesto. Sin embargo, para algunos, este concepto todavía daba para más (Ejem, Ejem, “Happy Feet” otra vez) “Cars” intentó algo distinto: Poner de protagonista a un personaje vanidoso y egoísta, que no buscaba la “aceptación de los otros” sino su propia realización personal. Claro que al momento de llegar al clásico pueblito norteamericano, cambiaba su manera de pensar y revisaba sus valores, de una manera similar al de la película “Hechizo del Tiempo” (Harold Ramis, 1993) Una trama sencilla, sin muchas sorpresas. Para serles sinceros, yo prefiero una trama simple y poco ambiciosa, pero HONESTA, que un producto pretencioso y forzado (Y esta vez no sólo me refiero a “Happy Feet” sino también a “Battle for Terra” y algunas series anime que prefiero no mencionar)
El personaje que se roba la película es Mater, el camión oxidado (Con la voz de Larry the Cable Guy, un comediante norteamericano especializado en encarnar estereotipos…Créanme cuando les digo que el camión Mater es su personaje más logrado y complejo) mientras que el resto del elenco queda muy bien en sus roles. Mención aparte merece Paul Newman como Doc Hudson, su último gran papel.
Tal vez “Cars” no me decepcionó, porque yo no esperaba que fuera algo como “Los Increíbles”, sino un producto de calidad, bien hecho. Y en este aspecto, mis expectativas se vieron más que satisfechas.
A veces da la impresión de que “Cars” es una suerte de chivo expiatorio, el inevitable fallo que se busca en todas las cosas. A falta de una “peor” le tocó cargar con todas las críticas que no reciben (Ni tampoco merecen) las otras películas de Pixar. Pero “Cars” tampoco las merece.
En este año, hay una gran expectativa con respecto a “Toy Story 3”: Hay quienes creen que será un éxito, otros que será un fracaso…Yo no pienso que “el futuro” de Pixar esté “en juego” a raíz del éxito o fracaso que pudiera tener esta tercera parte. Lo que se ha logrado es una obra entrañable e imborrable en los corazones de los espectadores. Pixar no se duerme en sus laureles. No tiene miedo en ir “más allá”, en explorar en terrenos nuevos… (Aparentemente Andrew Staton estaría haciendo la primera película de acción real producida por Pixar) Un “fracaso” como “Cars” aún está muy por encima de los éxitos de Dreamworks y Bluesky.
Pixar seguirá a la cabeza, mientras las otras compañías no dejen de subestimar a su audiencia primaria, y se atrevan a correr los riesgos que se toma la gente de Pixar. Algunas veces, el chispazo del éxito también brillará para ellos: Todos tenemos nuestros momentos de inspiración, genialidad. Pero mantener encendida no una chispa, sino antorcha de genialidad como lo hace Pixar, resulta una hazaña muy difícil de igualar.
¿Se animará alguien a aceptar el desafío?